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Alejandro Fournier la imagen como parte de un todo

OTRAS
19/08/2016
15:44
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Nuestra tarea diaria será ofrecer aquí al futuro autor audiovisual y al público en general, así como a los fotógrafos en activo de habla hispana, un nuevo territorio de debate, reflexión, aprendizaje...
OTRAS

Por Héctor Guerrero

Alejandro Fournier es un joven artista tapatío que ha encontrado en la imagen un sustento para muchas de sus obras, pero sus piezas no se quedan ahí, explora distintos horizontes: va  a lugares poco comunes, incluso incursiona en la escena musical, pero siempre llevando la parte visual como un compañero inseparable. Aquí la conversación que sostuve con él teniendo como fondo un café donde el ruido de los vinilos y la buena música se pueden apreciar de inmediato.

Alejandro: haces gráfica, pintura, fotografía… Entonces, ¿te defines como un artista, un pintor o un creador?, ¿qué es lo que más te gusta, con qué te identificas más?

Creo que voy ahorita por la idea de no limitarse. Me agrada mucho trabajar en múltiples medios. Me considero un artista multidisciplinario, o artista en general.

Desde luego que la fotografía es el medio que más he usado desde que inicié, ya hace 20 años en el arte. Sí me he metido en distintos medios para poder generar, plasmar y comunicar lo que busco, pero la fotografía para mí es definitivamente el medio, la herramienta que más utilizo y que más me funciona; Muchas de las ocasiones, inicia en una foto, la escultura, el dibujo, la pintura…

¿O sea que utilizas la imagen para compartir o reflexionar?

Exactamente, la lectura que le doy a mi imagen es como mi día a día, para poder partir de ahí. Desde luego que hay fotografías planeadas, construidas, que de antemano  visualizo y planeo el medio a utilizar, pero para mí también es importante observar y tomar seriamente lo que sucede en la cotidianidad, en los viajes, en los procesos. Yo cargo con mi cámara todo el tiempo, para poder tener esa facilidad de seguir en lo que estoy avanzando, para mí es como tomar un apunte.

¿Y tú eres de aquí?

De Guadalajara sí. Me tocó nacer aquí, mis dos hermanos nacieron en la CDMX,  mis papas son de Durango; Heredé el gusto por el arte atráves de la música por parte de mi papá, él componía y cantaba y viene también por mi bisabuelo, Francisco Fournier y su cuarteto  (Sus restos se encuentran en la rotonda de los ilustres en Durango). Yo soy el más chico, somos cuatro hermanos, y me llevan algunos años. Tuve buena influencia por parte de ellos, mi hermana Ivette cantaba, Raymundo quien es 10 años mayor que yo, se clavó mucho de chico en coleccionar discos de acetato y Eduardo me llevaba a conciertos, crecí mucho con lo sonoro.

De lo visual, lo primero que me viene a la mente, es de muy chico donde hacía videos en quinto de primaria con Celso García, de mis primeros amigos. El medio del video era la diversión, inventábamos personajes, hacíamos doblajes, a veces yo actuaba; Era un juego muy lúdico. Más grande me llamaron la atención las cámaras y los procesos como medio, que en aquel entonces era en formato análogo. Me atrajo mucho lo visual, primero por el video, y la reproducción en movimiento, luego me interese por la pintura y de ahí me lleva a la fotografía un poco más grande, como a los 16 años, cuando me clavé muchísimo con la foto y más tarde emprendimos distintos proyectos mi actual amigo y socio de Sector Reforma Javier Cardenas Tavizon y yo relacionado con el arte contemporáneo en general; Rogelio Ruiz (Roger) fue también un buen amigo con el que aprendí mucho, recuerdo salir mucho a la calle o a la periferia, conciertos, viajes constantes, siempre cargando con camara, bastante practica y experimentación, Armamos distintos proyectos de practica y exhibición de lo que hacíamos.

Sé que has hecho muchos proyectos, de distintas líneas. Supongo que eres muy ecléctico, que no te gusta estar muy estático en una sola disciplina (a mí me parece algo muy necesario en este momento, que los artistas hablen en varias disciplinas, con el momento que se está viviendo). Pero, ¿con qué te sientes cómodo, con el sonido, la pintura, la foto o mezclando todo?

Definitivamente, los tiempos que estamos viviendo para mí son muy importantes, el reflejar el presente y lo que a uno le está tocando vivir, fehacientemente. Ahorita los medios están avanzando, cada vez hay más información, más acceso a todo, y el artista tiene la posibilidad de abrir campos, de poderse infiltrar a medios como los videojuegos, o hasta el Net art. A mí la verdad se me hace muy rico porque aprendes muchísimo, no lo puedes saber todo, claro,  se trata de aprender y abrirse más; Da Vinci es un ejemplo que pongo,  a 500 años atrás, más allá de haber sido un inventor y pintor, él era alguien que no se limitaba, expandía las posibilidades del conocimiento, me agrada pensar en el presente que vivimos como una  oportunidad de explorar distintos medios y la relación con la tecnología como reflejo de nuestra sociedad y naturaleza.

Yo creo más en el no límite y trabajo en el recurso que busco, en cómo plasmar algo, y escojo una técnica que me deje contento.

¿Pero la exploras en otras líneas esa misma idea?

Sí.

¿Desde un origen, hasta una línea definida?

Hay momentos en que la idea queda plasmada como en un inicio fue. Hay cosas muy sólidas desde que te lo imaginaste. Existe una ley de Sol Lewitt, artista conceptual que me agrada bastante, que aconseja no alterar o modificar la primera idea que viene a la mente. Me parece que cuando tienes claro lo que estas haciendo, o tienes claro tu interés como creador, estás ya navegando en un barco y seguro todo te va llegando; Para mí es importante la congruencia y partir de lo anterior para hacer más sólido el discurso o lenguaje, me parece que vamos dejando pistas o mensajes para ser reunidos en el tiempo. La exposición es una exploración de todo ese proceso que va afinando lo que viene y dialogando con el entorno. A mi me parece muy rico cuando una exposición cuenta con multiples medios, la hace más atractiva y compleja, por lógica hay medios en que ya me relaciono o domino más. Se trata de ir aprendiendo más como mencione anteriormente.

¿O sea que quieres seguir explorando nuevos medios, ser más receptivo?

Sí. En mi vida la fotografía ha llegado para quedarse, me parece un medio muy sólido, interesante, fácil de revisar y de seguir, como en todo medio hay que buscar aprender más y más de la técnica, es importante. Por ejemplo, para un espacio público uso mucho el fotomontaje, el dibujo, y claro que está el medio del Render, para manifestar una idea, pero la imagen no va a dejar de ser un medio muy importante para explorar, para poder acercarte a una realidad, para ahora sí poder visualizar algo, ya hablando de proyectos escultóricos, o de propuestas que mandas a otro lado, a otro país, con cierta técnica.

A la imagen y lo sonoro los he manejado durante varios años como un alter ego, un personaje al que le doy vida, que le doy la oportunidad de salir de mí con el performance, entro en el tema de la composición y la comunicación de esa exploración por los múltiples medios posibles.

¿Es un respeto hacia la técnica, más que una regla estricta?

Yo creo que es utilizar los medios que más te faciliten para aterrizar las ideas; Por ejemplo en lo sonoro me agrada componer utilizando distintos softwares como el al Ableton Live, Reason que sirven como base entrar a un estudio y grabarlo de forma orgánica,  para video me facilitó haber aprendido el Final Cut, etc. creo en la ventaja de la tecnología, son unas herramientas muy practicas, hay tanto por aprender. Desde luego que hay otros medios  donde las manos son los medios y que no dejan de ser celosas ante otros medios, es decir, todo se resume en practica, en trabajo y constancia, sin nunca dejar atrás la congruencia de lo que uno esta buscando y su discurso.

¿Crees que un artista debe tener límites o reglas? ¿Tú, en tu trabajo, tienes reglas que tú mismo te pones?

Como mencionaba, yo creo en el no limite, y por otro lado me agrada la postura de Dudar de todo, como una una postura básica de crear tu propia verdad, ante tanta invasión y confusión que hay en los medios y en la programación, me gusta la idea de partir de esto, desde luego, previamente haber investigado y referenciado el momento presente. Es importante tener memoria, recordar, investigar, revisar la historia y buscar qué se está haciendo, para darle todo el respeto que merece la historia de la cosas. En mi colectivo Sector Reforma, donde tenemos ya 13 años trabajando (Junto a los artistas Javier Cárdenas Tavizon y Santino Escatel) creemos en el trabajo, apoyo y retroalimentación en equipo así mimso en mantener nuestra individualidad.

Ya hiciste referencia a dos de tus proyectos más figurativos, uno es el del sonido, el que tienes como Joe From Wisconsin. ¿Cómo nace, cómo lo inicias?, es algo que está  muy sólido, a la par de tu carrera.

JFW es una extensión de mi trabajo, las letras que escribo hablan de mis procesos e intereses, y a la hora de que lo reúno se extiende todo. Con los años lo he visto como una parte muy importante de dedicar y realizar, hasta como una necesidad, porque son otros canales que se tocan: lo sonoro ha esta presente como un background, siempre me relacioné con la cultura de la música, tuve varios proyectos sonoros con amigos, y ya cuando consolidé a Joe From Wisconsin estaba ya más maduro. No comencé con ese nombre, en el proceso tuve otros, llevo ya 10 años con él, desde 2006, es cambiante su forma de presentación,  a veces invito a músico otras veces me presento solo, lo veo como un performance que involucra multiples medios.

Me quedo contento de haberme enfocado en un principio en la plástica, y luego en la música, que tiene su propia naturaleza, y te deja muy satisfecho, creo en el discurso plástico y, más allá, en lo multidisciplinario, en integrar y no limitarse.

El proyecto se consolida en una exposición en el espacio de Sector Reforma, en Analco, fue una curaduría que hicimos del artista Iván Puig donde Sector se convirtió en una casa de resonacia,  invitamos a distintos músicos a que interactuarán con los objetos que invento Mr. Puig y  realizamos el disco “Sesiones Constante”.

Hasta el momento he realizado siete discos donde busco hacer un video para cada track que referencié la intensión de la letra y concepto en sí. Hasta ahora he realizado un total de 29 videos, en su mayoría hago todos los pasos, desde el registro o fotografía en sí hasta su edición, en algunos he invitado a amigos videoastas y artistas a co dirigir, hacer la foto o editar. Estoy interesado en realizar un material cinematográfico con todo el material ya realizado y sumando otras experiencias que van desde el road trip y biografía. Finalmente, el proyecto se convierte en una pieza en sí, no me interesa tanto presentarme en festivales o lugares especificos de músicos, la mayoría de las veces han sido presentaciones en lugares relacionados con el arte, en museos o en galerías.

Hablando de otro proyecto que ya mencionaste, ¿cómo nació lo del Sector Reforma?

Sector Reforma surge el 26 de Septiembre del 2003 por la iniciativa en un inicio de Santino Escatel, Javier Cárdenas Tavizon, Alfonso Hernández y Rocío Becerra; Después del primer año continuamos los que hasta el momento hemos trabajando de forma ininterrumpida, Javier, Santino y yo. El próximo año vamos a publicar un segundo libro de registros de proyectos realizados, nosotros creemos en el siete. Los primeros siete años están basados en el espacio específico del Barrio de Analco, una casa amplia que nos permitía tener estudios, espacios para exhibición, y para recibir artistas residentes que trabajaran de forma In Situ. Yo viví ahí desde el inicio y me fascinó vivir la experiencia de un mundo que me nutrió y me llenó, la convivencia con otras personas interesadas en el movimiento del arte, distintos amigos muy valiosos con quien compartíamos el espacio en el origen de la ciudad, en uno de los barrios más antiguos de Guadalajara.

En los primeros años de mi carrera, por 1997 – 98 tuve distintos espacios donde organizaba exposiciones y fiestas, más adelante viaje unos meses por Europa y me di cuenta que quería dedidarme de forma más profesional a las artes, ya en el 2003  es cuando coincido con  ellos para reunirnos y comenzar a realizar multiples proyectos en el espacio de SR, entonces empezamos a hacer exposiciones, talleres, residencia, etc. y la gente empezó a ir y  a ubicarnos en otras ciudades y países. Fue muy rico ese inicio de Sector Reforma, mucha practica y diálogo.

¿Cuál es la clave para sostener un colectivo? Yo he visto que en México es difícil sostener los colectivos, se forman, y al año se desintegran, se forman otra vez, y de nuevo se desintegran. ¿Cuál es la clave para sostenerlo?

El ego es algo que destruye, el ego de alguno de los miembros o el de todos, y que choquen, porque como artista estás navegando libremente, por donde quieras, no es como las profesiones a los que les dicen qué deben hacer. El arte se convierte en libertad, pero llega un punto en que te puede molestar la postura de personalidad que tiene el otro, y muchas de las ocasiones se llega a un choque tan fuerte, pero por otro lado también se puede complicar soportar: me refiero a la economía, es muy difícil, o los intereses de uno y de otro. Nosotros, la verdad, somos muy buenos amigos, nos respetamos y nos apoyamos; son mis dos mejores amigos.

¿Cómo ves la escena local? Es algo que te tengo que preguntar porque eres de aquí, trabajas también aquí, y sales mucho. Hay mucha gente que se queja de Guadalajara, de su apatía, de la falta de apoyo y de oportunidades.

Guadalajara en efecto tiene fama de se una  de las ciudades más complejas de México, está el típico ejemplo que se platica de como lanzan primero los productos aquí en Guadalajara, por lo difícil que somos, tenemos esa fama de aceptación.

En el movimiento del arte creo, distinta gente que vive en CDMX, curadores,  amigos relacionados a las artes,  están de acuerdo con que Guadalajara es un semillero de artistas ─y eso se puede ver en la música, la danza, las artes plásticas─, están de acuerdo que la ciudad genera un muy buen movimiento, con propuesta. Muchos artistas se van y otros seguimos trabajando aquí, yo lo veo como una postura que me permite moverme de forma practica. A mí me gusta tener un pie aquí en Guadalajara y otro pie en otro lado; a veces la ciudad podría ser cruel con la historia, y hay que reconocerlo y aprender a tomar iniciativa. Se produce muy bien aquí, hay mucho talento en los distintos oficios, es muy rico el clima, la ciudad es muy bonita y muy agradable, y como toda ciudad, no deja de haber los grupos de poder, y las mafias. Yo pienso que es como en todas las ciudades, y en todos los casos, lo mejor es buscar proyectarse.

¿Crees que se puede definir a un artista por su trabajo y su constancia?

Tiene que haber talento claro. Primero debes tener la seguridad de que vas a abandonar ciertas invitaciones que te van a hacer, que son más de naturaleza comercial,  para el que se quiera dedicar al arte, a la búsqueda de la propuesta no a la fórmula; Estar convencido de lo que estás haciendo, el talento se va puliendo con la práctica. El trabajo constante es una de las respuestas básicas.

¿La inspiración te debe encontrar trabajando, como decía Picasso?

Así es,  para la creatividad, que la inspiración te encuentre en el trabajo.

¿Hay algo más que quieres decir y no te pregunté?

Que todo lleva su sacrificio, sus momentos difíciles. En un inicio es lo normal, como un mensaje, a veces uno se desespera, pero todo lo que vale la pena te lleva tiempo; entonces es tenerlo claro, estar muy consciente de lo que estás haciendo, y seas congruente y  que tienes que dedicarle tiempo, a investigar, a reconocer la historia, y buscar tu propio lenguaje, dándole la vuelta, aportando a lo ya realizado. No desesperarse y continuar y continuar.

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