Cada vez son más las marcas de ropa que están aportando por dicho estilo, con el que fusionan aspectos como la comodidad, tecnologías transparentes y telas de calidad. Si aún no tienes idea de qué se trata, aquí te lo explicamos.

¿Qué es el estilo athleisure?

Una de las marcas mexicanas que ha incorporado esta tendencia a sus colecciones es MAJA Sportswear, con piezas pensadas para actividades físicas en diferentes condiciones climáticas.

Con colecciones como Maja Active, la firma reinterpreta lo básico que puede ser una playera o unos leggings para integrarlos en looks del día a día, y no sólo en una sesión de yoga o una ronda de golf.

Pero, ¿qué significa esta tendencia? La palabra athleisure proviene de "athletic" que quiere decir atlético o deportivo, y "leisure" que significa ocio. Aunque surgió a finales de la década de los 70, creció exponencialmente en 2010 y para 2020, durante la pandemia, se consolidó.

Y en años recientes también han surgido conceptos como el outleisure, en los que MAJA Sportswear ha encontrado una oportunidad para atender a consumidores que mantienen un ritmo activo durante todo el día y que buscan reducir el tiempo en que deciden qué ropa ponerse.

Estas prendas, además de ofrecer lo elemental (como calidad y resistencia), son versátiles. Otro de sus distintivos es que integran tejidos de absorción de humedad, de secado rápido, con control térmico, protección UV, de estiramiento en cuatro vías, costuras seamless y hasta materiales reciclados.

De acuerdo con Adrián Espinoza, Director de Marketing de MAJA Sportswear, "el athleisure lo que hace es, precisamente, traer esas tecnologías a la prenda. Pero en diseño, necesitamos que (la estética) sea equilibrada para que no se sienta demasiado técnica".

Y es que la selección de materiales y de diseño persigue un propósito: poder llevar las piezas a la hora de hacer ejercicio, y seguir usándolas en actividades posteriores como ir al supermercado, a tomar un café o a la oficina.

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¿Cómo se están sumando las marcas al athleisure?

Aunque el mercado dicta las tendencias, hay marcas que se han sumado a este estilo de manera orgánica, escuchando las necesidades de los sectores que hacen ejercicio por simple gusto y por llevar un estilo de vida saludable.

"Es constante estar escuchando. La parte que nos lleva a que adopten el athleisure es completamente orgánico y eso nos ha ido llevando a hacer ciertos ajustes en las prendas para que se adapten también a eso", señala.

Dichas modificaciones van desde cambiar los botones para evitar la corrosión al practicar deportes como la pesca, hasta integrar un paño de lentes en la parte interna de una camisa para tener mejor visión al hacer senderismo.

Y aunque no hay reglas escritas, la mayoría de marcas se inclinan por diseños sin guiños técnicos marcados, es decir, con logotipos discretos, colores combinables y texturas que pueden integrarse con facilidad en un look para ejercicio y uno social.

Más allá de confeccionar ropa deportiva, firmas como MAJA Sportswear tienen la prioridad de seguir desarrollando productos que cubran las necesidades de sus consumidores y, al mismo tiempo, seguirlos invitando a estar en contacto con la naturaleza.

"Para nosotros el salir, el caminar, el subir una montaña, el respirar, el estar en el aire libre, pescando, etcétera, sabemos que va a ser algo que te va a cambiar la vida y queremos acompañarlos en ese proceso".

¿Cómo llevar la tendencia del athleisure?

Si quieres sumar la tendencia del athleisure a tu armario, toma nota de estos 5 tips para hacerlo con éxito:

1. Opta por básicos: playeras, tops, leggings, shorts y pants son fáciles de combinar con piezas que ya tienes en el armario.
2. No uses muchos elementos deportivos: una o dos piezas athleisure son suficientes para que el atuendo no termine por verse como pensado para el entrenamiento.
3. Calzado cómodo: cambia tus tenis por unos más casuales si prefieres separar los usos, ya sea por cuestiones de higiene o comodidad.
4. Colores neutros: para quienes prefieren looks minimalistas, las prendas en colores negro, beige, café, blanco y gris son un acierto de estilo.
5. Añade accesorios: gorras, bolsos estructurados y gafas de sol pueden servirte para hacer ejercicio al aire libre, y para darle un toque chic a tu atuendo el resto del día.

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Con cada álbum, la cantante logra imponer una estética diferente, desde atuendos inspirados en los motociclistas hasta otros que evocan al flamenco. Ya sea sobre el escenario, en la red carpet o las calles, su estilo siempre llama la atención por mezclar lujo con streetwear.

El vestido periódico que inmortalizó ‘Carrie Bradshaw’

De paseo por la CDMX, Rosalía lució un vestido con estampado de periódico que nos recordó el icónico diseño llevado por ‘Carrie Bradshaw’ en la serie Sex and the City. La intérprete catalana combinó este modelo de la firma Desigual con gafas de sol y ballerinas negras.

La pieza original pertenece a la colección otoño/invierno del año 2000 de la casa francesa Dior, época en la que el director creativo era John Galliano. Ambos vestidos se caracterizan por una silueta ajustada y por no tener mangas, aunque el de la cantante es un poco más largo.

Un vestido de plumas a la medida creado por Chanel

En febrero pasado, la intérprete recorrió la alfombra roja de los Brit Awards 2026 enfundada en un conjunto repleto de plumas de Chanel, el cual dejó al descubierto tanto su espalda como la zona abdominal. Para la ocasión, eligió un look de belleza pulido y una melena recogida.

Dado que era su primera nominación en estos premios (en los que ganó como Mejor Artista Internacional), su vestido debía causar gran impacto. El conjunto estaba formado por una falda negra y una boa XL de plumas en color blanco, ad hoc con su actual era musical: Lux.

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Cuando Rosalía llevó leggings a la Semana de la Moda

En 2023, ya consolidada como una seguidora de tendencias, la cantante acudió a los desfiles de la Semana de la Moda de París, donde dio muestra de su osado estilo. Abrió la temporada con un look preppy en el show de Prada y, después, lució un vestido cut-out en Acne Studios.

Pero donde se robó todas las miradas fue en la presentación de Schiaparelli. La catalana se atrevió a llevar unos leggings negros combinados con un saco de estilo torero con bordados dorados y unos zapatos de tacón. Aderezó el look con una lujosa diadema de terciopelo.

La era en que el estilo motociclista se volvió tendencia

Su álbum “Motomami”, publicado en marzo de 2022, dio el banderazo de salida a una estética motociclista, en la que imperaba el uso de cuero en abrigos y pantalones, chaquetas con hombros acentuados, microfaldas, así como botas de tacón alto que llegaban al muslo.

El artífice de estos espectaculares trajes fue el diseñador australiano Dion Lee, a quien Rosalía le encomendó idear un concepto duro pero suave a la vez. Ejemplo de ello fue el look de top a rayas con hombreras de cuero, microfalda negra y botas azul eléctrico que lució en esta gira.

El look con el que debutó en la Met Gala de Nueva York

La primera aparición de la catalana en la alfombra roja de la Met Gala fue en 2021, en una velada dedicada a la moda estadounidense. Para tan importante ocasión, recurrió al diseñador Rick Owens, célebre por un atrevido estilo que combina lujo, vanguardia y minimalismo.

Fiel a sus raíces, Rosalía eligió un traje en color rojo oscuro, compuesto por un short de talle alto con flecos hasta los tobillos y un cuerpo de escote en <V> que dejaba sus hombros descubiertos, con un nudo al frente y una cola larguísima inspirada en el mantón de Manila.

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Entre quienes se sumaron a la cita estuvo María Bottle, creadora de contenido, artista y una de las figuras que han hecho de la moda una parte esencial de su lenguaje personal. Su estilo se caracteriza precisamente por mezclar referencias, texturas y piezas inesperadas hasta convertir un outfit en una declaración propia. Y para el concierto, María llevó esa idea a otro nivel.

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El look de María Bottle para ver a Rosalía

El look fue firmado por Bolena y tuvo como punto de partida una paleta de azul, blanco y verde que se sintió tan delicada como extraña —en el mejor sentido—. La pieza principal fue un top azul turquesa de efecto transparente, de tirantes y con líneas estructurales que recorren el torso, dejando ver las capas que lleva debajo.

La parte inferior llevó el look hacia un terreno mucho más romántico: una falda blanca de encaje, de silueta midi y ligeramente translúcida, que contrastó con la sensualidad del top. El resultado juega con dos códigos que también atraviesan la estética de LUX: lo etéreo y lo provocador. Pero si hubo un elemento que terminó de hacer reconocible el look, fueron los accesorios.

María llevó zapatos negros de punta y tacón, acompañados por unos calcetines en verde neón que aparecen apenas entre la falda y el calzado. Un pequeño contraste de color que rompe con la delicadeza del encaje y evita que el outfit se sienta demasiado romántico.

Una bolsa de tulipanes que es mucho más que un accesorio

La pieza que se llevó todas las miradas fue, sin duda, la bolsa de tulipanes de Betito. En lugar de recurrir a un bolso convencional, María cargó una especie de ramo escultórico compuesto por largos tallos verdes y flores blancas, convirtiendo el accesorio en parte central del look.

El resultado es una pieza que funciona prácticamente como una pequeña obra de arte portátil: escultórica, inesperada y con ese toque surrealista que hace que un accesorio deje de ser simplemente funcional.

En el look de María, además, los tulipanes crean un diálogo interesante con la transparencia del top y el encaje de la falda. Es delicado, sí, pero nada convencional.

El beauty look de María Bottle

Para completar la propuesta, Daniela Altamira estuvo detrás del styling, manteniendo la estética romántica pero ligeramente excéntrica que caracteriza al look.

El maquillaje, realizado por Aleida Gómez, se mantuvo suave y luminoso, dejando que el rostro acompañara —sin competir— con las piezas de moda. En el cabello, EK Hair Salon apostó por una melena larga y pulida con un detalle protagonista: un pequeño rizo marcado sobre la frente, casi como una interpretación contemporánea del clásico baby curl.

El resultado final tiene algo muy María Bottle: no intenta disfrazarse para entrar en el universo de Rosalía, sino que toma algunos de sus códigos —la transparencia, la feminidad, el dramatismo— y los lleva a su propio lenguaje.

Y entre una falda de encaje, un top transparente, calcetines verde neón y un ramo de tulipanes que se convirtió en bolso, probablemente no había una mejor manera de llegar a un concierto de Rosalía.

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Pero el legado de Kusama va mucho más allá del museo homónimo que mantiene en Tokio. Desde los años 60, la artista llevó su particular forma de entender el arte al cuerpo y a la ropa, construyendo un universo visual que décadas más tarde terminaría encontrándose con la industria de la moda.

En ese camino llegaron colaboraciones con firmas como Lancôme, G-Shock y Uniqlo, además de Louis Vuitton, la maison francesa perteneciente al conglomerado LVMH y quizá una de las alianzas más importantes entre Kusama y la moda.

Tras conocerse su muerte, Louis Vuitton dedicó unas palabras a la artista. Pietro Beccari, CEO de la maison, expresó en Instagram su pesar por el fallecimiento:

“Me entristece profundamente el fallecimiento de Yayoi Kusama, una de las mayores figuras del arte contemporáneo. Verdadera leyenda viva, moldeó su vida y su obra con una libertad, una imaginación y una visión extraordinarias, dejando una huella imborrable en el mundo del arte a lo largo de las últimas décadas...".

Concluyó su mensaje con palabras para sus allegados: "En nombre de Louis Vuitton, expreso mis más sinceras condolencias a su familia, a sus seres queridos y a todos aquellos que tuvieron el privilegio de trabajar junto a ella. Su extraordinario legado seguirá inspirando a las generaciones venideras”.

Pero antes de que sus lunares ocuparan los escaparates de Louis Vuitton, Yayoi Kusama ya estaba experimentando con la moda. Y para entender por qué la industria terminó encontrando en ella una estética prácticamente hecha para convertirse en deseo, hay que volver a Nueva York, a los años 60.

Del cuerpo a la ropa: los lunares como lenguaje

Antes de convertirse en el estampado que hoy asociamos inmediatamente con Yayoi Kusama, los lunares ya formaban parte de una exploración artística que tenía que ver con la repetición, el infinito y la desaparición del individuo. El MoMA señala que los puntos aparecen desde sus primeras composiciones, realizadas en Japón en los años 50, y que la repetición de estas marcas estaba vinculada con las experiencias visuales que la artista tenía desde niña.

La propia Kusama explicaría después su relación con este motivo de una manera mucho más sencilla: “Polka dots are a way to infinity”, una frase recuperada por el Hirshhorn Museum que resume cómo entendía los lunares: no como un simple recurso decorativo, sino como una forma de extenderse hasta perder los límites.

Esa idea llegó directamente al cuerpo durante los años 60. En sus Body Paint Festivals y otros happenings realizados en Nueva York, Kusama cubría cuerpos desnudos con puntos fluorescentes. El Moderna Museet explica que estos lunares funcionaban dentro de su concepto de self-obliteration: al cubrir la piel con el mismo patrón, los cuerpos podían parecer disolverse dentro del entorno.

Kusama Fashion Company, su coqueteo inicial con la moda

Si bien muchos ubican el encuentro de Kusama con la moda en la visita que Marc Jacobs hizo a su estudio en Japón, el romance de Yayoi con esta industria comenzó mucho antes. La artista salió de Japón rumbo a Estados Unidos porque, según contó a The Wall Street Journal, consideraba a su país como un lugar “demasiado pequeño, demasiado servil, demasiado feudal y demasiado desdeñoso con las mujeres”.

En 1968, mientras vivía en Nueva York, Yayoi Kusama también incursionó de lleno en la moda con su propia firma, Kusama Fashion Company Ltd. En una entrevista con Index Magazine publicada en 1998, la artista contó que la idea surgió después de encontrar en un escaparate algunos vestidos que se parecían a sus propias creaciones. Kusama acudió entonces a la compañía que los fabricaba para mostrarles su trabajo y terminó estableciendo una empresa con ellos.

La propuesta estaba lejos de ser convencional: sus diseños incluían vestidos transparentes cubiertos de lunares, prendas plateadas y doradas adornadas con dalias, zapatos con formas fálicas y bolsos intervenidos con macarrones. Entre ellos también estaban los célebres vestidos con agujeros, incluso en zonas tan provocadoras como el trasero.

Las prendas llegaron a venderse en el “Kusama Corner” de Bloomingdale's, aunque la propia artista reconoció que la apuesta no fue precisamente un éxito comercial. Mientras sus vestidos de estética 'flower child' tenían malas ventas, los trajes conservadores funcionaban mucho mejor. “Era muy difícil vender vestidos vanguardistas con agujeros”, recordó Kusama en aquella conversación.

Décadas después, la propia entrevistadora le señaló que aquellas prendas de los sesenta habían adquirido un nuevo valor entre los jóvenes y los consumidores de moda; Kusama respondió con una frase que resume perfectamente su relación con el tiempo: “Tal vez los hice demasiado pronto”.

La moda descubrió el poder de Yayoi Kusama

El salto de Yayoi Kusama de la escena artística a la moda no ocurrió de un día para otro. Para cuando las grandes marcas comenzaron a buscarla, la artista ya había construido durante décadas un lenguaje visual reconocible. Lo que cambió fue que la industria entendió que ese universo podía trasladarse prácticamente intacto a prendas y accesorios.

Uno de los primeros ejemplos de esta nueva etapa llegó con Lancôme en 2011, cuando la artista intervino una edición limitada de sus Juicy Tubes. Pero fue un año después cuando Kusama encontró una plataforma mucho más grande: Louis Vuitton. La colaboración se lanzó en 2012 y llevó los característicos lunares de Kusama a faldas, tops, leggings, bolsos y otros accesorios. La propia maison describió posteriormente a Kusama como parte de su tradición de colaboraciones artísticas, junto a nombres como Stephen Sprouse, Takashi Murakami, Richard Prince y Jeff Koons.

De 2014 a 2016, Uniqlo incorporó a Kusama a SPRZ NY, su proyecto desarrollado junto al MoMA bajo la idea de convertir la ropa en un punto de encuentro entre arte y moda. El proyecto buscaba precisamente llevar el trabajo de artistas reconocidos a productos de uso cotidiano.

Tres años después, Kusama volvió a encontrarse con el streetwear a través de XLARGE y X-girl. La colección de 2017 tomó como inspiración sus 'Infinity nets', los lunares, el mensaje "Love forever"y obras realizadas durante su etapa neoyorquina de los años 60. La colaboración incluyó camisetas, chamarras, bolsas, gorras y hasta un reloj G-Shock, mientras que Porter participó con bolsos especiales.

Para entonces, los lunares ya funcionaban como la firma de Kusama. La moda había encontrado un código visual que podía reconocerse de inmediato y trasladarse del museo al producto.

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Vuitton llevó a Kusama al escaparate global

Profundizando más en la relación con LVMH, el encuentro entre Yayoi Kusama y Louis Vuitton comenzó a tomar forma mucho antes de que sus lunares ocuparan las vitrinas de la maison. Marc Jacobs conoció a la artista en 2006, durante una visita a su estudio en Tokio, y ese acercamiento terminó convirtiéndose años después en una de las colaboraciones entre arte y moda más reconocibles de la firma francesa. Incluso existe un antecedente de ese encuentro, cuando Kusama intervino una bolsa Ellipse de Louis Vuitton con sus característicos lunares.

La colaboración formal llegó en 2012, cuando Jacobs todavía estaba al frente de la dirección creativa de Louis Vuitton. La primera colección se lanzó en julio y tuvo una segunda entrega en octubre, llevando los puntos de Kusama a faldas, tops, leggings, vestidos, gabardinas, zapatos, bolsos y otros accesorios. La propuesta llegó incluso a los escaparates de las tiendas de la maison alrededor del mundo.

Para Jacobs, la alianza también representaba una continuación de la relación que Louis Vuitton había construido con el arte. La firma ya había trabajado con artistas como Stephen Sprouse y Takashi Murakami, y la llegada de Kusama profundizó esa estrategia de convertir el lenguaje de un creador en parte de los códigos visuales de la marca. El propio Jacobs explicó entonces que esperaba que la presencia global de Vuitton acercara el trabajo de Kusama a personas que quizá nunca habían entrado a una galería o museo.

Pero la historia no terminó ahí. Diez años después, Louis Vuitton y Kusama volvieron a encontrarse. En 2022, la maison anunció una nueva colaboración con la artista, que LVMH describió como una reinterpretación de creaciones icónicas de Louis Vuitton a partir del universo de Kusama.

La segunda colaboración llevó todavía más lejos ese intercambio: los motivos de Kusama volvieron a intervenir bolsos, accesorios y prendas de la maison, mientras sus característicos puntos fueron trabajados sobre los códigos de Louis Vuitton para recrear la apariencia de sus pinceladas.

Yayoi Kusama: mucho más que lunares y espejos

Antes de convertirse en un ícono de la moda, Yayoi Kusama ya había construido una trayectoria fundamental para entender el arte contemporáneo. Nacida en Matsumoto, Japón, en 1929, comenzó a pintar desde niña y llegó a Nueva York en 1958, donde desarrolló una propuesta que atravesó la pintura, la escultura, las instalaciones, el cine y las performances. El MoMA la reconoce como una figura clave de la vanguardia neoyorquina de finales de los años 50 y principios de los 70.

Sus famosos lunares y redes tampoco fueron los únicos elementos de su obra. A lo largo de las décadas, Kusama desarrolló instalaciones inmersivas, esculturas, pinturas y sus célebres 'Infinity mirror rooms', espacios en los que espejos, luces y repeticiones generan la sensación de estar frente a un espacio que no termina.

También llevó su obra a las calles y a la contracultura neoyorquina de los años 60 mediante Happenings y performances. Su trabajo llegó a tocar temas como el cuerpo, el sexo, la guerra y la identidad, mientras que su obsesión por la repetición se convirtió en uno de los rasgos que terminarían haciendo reconocible su obra en todo el mundo.

Y así, los lunares que alguna vez cubrieron cuerpos en Nueva York terminaron también sobre prendas, bolsos y escaparates.

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Una textura diferente, un accesorio, la dirección de la raya o unos cuantos centímetros de volumen pueden transformar por completo el resultado. Por eso, si estás buscando nuevas maneras de llevar tu corte, esas ideas son un buen punto de partida.

1.Ondas suaves para un look effortless

Las ondas no son exclusivas de las melenas largas. En un bob o una melena corta, una textura ligeramente ondulada aporta movimiento y hace que el corte se vea diferente sin necesidad de recogerlo.

La clave está en evitar que todas las ondas queden demasiado marcadas. Un acabado más relajado, con algunos mechones ligeramente desordenados, funciona tanto para el día como para una salida por la noche.

2. Wet look para cuando quieres algo sofisticado

El efecto de cabello mojado es una de esas opciones que pueden convertir un corte sencillo en un look mucho más elaborado.

Lleva el cabello hacía atrás y utiliza un producto de fijación para conseguir ese acabado pulido. Puedes dejarlo pegado completamente a la cabeza o conservar un poco de volumen en la parte superior. Con aretes protagonistas, el resultado se vuelve todavía más interesante.

3. Media coleta, pero en versión mini

Aunque tengas un poco de cabello, todavía puedes recurrir a una de las formas más fáciles de recogerlo: la media coleta.

Toma únicamente la sección superior y sujétala en la parte superior de la cabeza. Puedes dejar el resto completamente liso, agregar ondas o sacar algunos mechones alrededor del rostro para conseguir un acabado más relajado.

4.Cabello completamente liso y pulido

Para una ocasión en la que quieras verte completamente arreglada, prueba llevar tu cabello corto completamente liso. La idea es trabajar el cabello para que se vea uniforme y pulido, respetando la forma natural del corte.

En una melena corta las líneas adquieren mucho protagonismo, por lo que esté acabado funciona especialmente bien cuando quieres que el corte sea el verdadero protagonista.

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5. Accesorios para transformar el look

Diademas, pasadores, moños, pinzas y broches pueden hacer mucho más que simplemente retirar el cabello del rostro.

En cortes cortos, un accesorio colocado estratégicamente puede convertirse en el punto focal del peinado. Una pinza pequeña en un lateral, por ejemplo, puede darle un giro romántico; mientras que una diadema puede hacer que un look cotidiano se sienta mucho más producido.

6. Mini trenzas para un toque diferente

No necesitas una melena larga para incorporar trenzas a tu peinado. En cabello corto funcionan especialmente bien como pequeños detalles.

Puedes hacer una o dos trenzas delgadas en la parte frontal y dejar el resto del cabello suelto. También puedes llevarlas a los lados del rostro para conseguir un acabado más relajado y juvenil.

7. Volumen en las raíces para darle otra forma

Si tu cabello corto suele quedar muy pegado a la cabeza, el volumen puede cambiar por completo su apariencia.

Seca las raíces levantándolas ligeramente y después acomoda el resto del cabello según la forma de tu corte. No se trata de conseguir un volumen exagerado, sino de darle movimiento y evitar que el peinado se vea plano.

El cabello corto tiene más posibilidades de las que parece

La ventaja de una melena corta es que no necesitas hacer una transformación enorme para notar la diferencia. Un poco de textura, una nueva raya o un accesorio pueden cambiar el resultado.

Así que la próxima vez que sientas que “no hay nada que hacer” con tu cabello corto, mira tu corte desde otro ángulo: quizá no necesitas más centímetros, sino una nueva manera de llevar los que ya tienes.

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